设计的由来

第一章 设计由来

什么是艺术，什么是美学？这是一个抽象概念。艺术具有普遍性和矛盾性，自然界、社会，到处都存在着艺术。比如说我们手中的盘子，电视是艺术，房间中的一盆花是艺术，墙上的壁画是艺术，优美的音乐是艺术，书法家的书法是艺术。就我们穿的衣服，我们头上的发型，我们的举手投足都是艺术。然而，这些艺术是需要加工、创造的。比如一曲优美的音乐，是经过音乐师的精心构想、设计加工而成的。一幅成功的画是经过艺术家认真仔细的思索而成的。它结合了画家辛苦的工作；每个人个体之间都是不相同的，即使是同一个人用不同的方式或不同的语气说出来的话也具有不同的效果。因此说艺术是需要再加工、再创造的。而有些艺术作品并没有加工和改造的实体而需要艺术家通过自己的想象去主观创造，构建和设计。比如小说创作，有的小说人物形象故事情节完全是虚构的。可以看出，“艺术是艺术家凭人工创造的某种对象”。艺术叙述的不是已经发生的实有的事，他是一种创造，它可以而且应该虚构。

在对设计进行科学、系统的研究之前，我们必须弄清楚到底什么是设计。虽然“设计”是我们经常听到、说到、用到的词，但仔细琢磨起来，却没有几个人能解释清楚设计的真正含义。在这一章里，我们先来研究一下设计产生的背景，然后再来看看容易混淆的设计术语。希望在这个过程中，我们能找到设计的真正含义。

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设计师设计的可以调节高度的桌子，当高度适度时也可以当凳子使用；可以内部照明的女式手提包；可以移动的房间等。这些设计作品都是对艺术进行加工创造的。罗马时期的普罗提诺认为，要更好地理解艺术的起源，不如把艺术品与物品进行比较更了然。因此通过比较，就可发现艺术品与物品的最大区别，从而循此去探索艺术究竟源于何处。他告

诉我们，如果把两块石头进行比较，其中一块因未经艺术加工而参差不齐，另一块因经艺术加工而成神像或人像。成神像者，有如美神或诗神的像；成人像者，它亦不是某人的像，而是“从一切人体美中创造出来的雕像”。这就说明：这块由艺术加工而造成形式美的石头之所以美，并不是因为它是石头，而是由于艺术所放进去的理念。然而，这种理念不是石头的自然物质原有的，而是在进入石头之前早已存在于那构思者的心灵中；而且这理念之所以存在于艺术家心中，也不是因为他有眼睛和双手，而是因为他参与艺术的创造。早在两千多年前，古希腊学家苏格拉底只能说：“美是难的”，亚里士多德的“美在整一性”，众说纷纭的说法使美是什么的问题没有得到解决，有的人认为美是观念，是主观感受的产物，事物之所以美，是因为人感到它美。

有人认为美是形式，美就在于形式的对称等。认为美观念完全否认了美的客观存在，认为美是形式对象的美虽然从事物的客观属性方面来寻求美的根源，但却忽视了人的社会实践，忽略了人的主观臆断和主观感受。把美仅仅归结为事物的某种自然属性。可以说，这些观点都是不科学的，恩格斯曾经说过：“必须重新研究全部历史，必须详细研究各种社会形态存在的条件。然后设法从这些条件中找出相应的政治、私法、美学、哲学、宗教等观点。”要认识美的本质，就必须联系人类丰富的审美活动。从人类丰富的审美活动中去探索美的本质。普罗提诺的美学思想由美的哲学、审美和艺术问题组成了一个体系。他认为美是人的本质的显现，美是艺术的基本特点，只有艺术和人发生的关系才主要是审美的关系。艺术反映了现实生活中的美，还反映了人对现实的审美观点。只有通过艺术才能更深刻地了解人对现实的审美关系。只有把艺术作为美学研究的主要对象，才能使美学成为一门有客观标准的学科。

由于艺术集中地反映了对现实的审美关系，反映了人类的审美观点。通过对艺术的美学特征的研究，不仅可以掌握人对现实的审美关系，而且还可以掌握人对自然，对社会的全部审美关系。因此，美学是以艺术为中心。并主要通过艺术来研究人对现实的审美关系

以及在这一关系中所产生和形成的审美意识的一门学科。它是在人类历史的发展中，随着社会生产的发展，随着其它科学研究的不断深入，而逐步丰富和发展起来的。美无处不在，奔跑的儿童、秀丽的山川、人们的笑脸，在我们的大自然中，到处都有美的存在，到处都留下美的踪迹。现实生活中的美，是纯自然的美，是没经过加工塑造和刻画的美。而艺术美源于生活而又体现。

1：造型艺术：用一定的物质材料塑造可视的平面或立体的形象是反映客观世界具体事物的一种艺术。

2：自然形态：自然界中完全靠自身规律生长，非人类创造的形态。

3：具体形态：未经提炼加工的原型，即自然形态。

4：个人功能形态：与个人的物质生活与精神生活密切相关的产品、设施、艺术品等。

5：社会功能形态：与大众的共同需求密切相关的建筑、设施、产品和以信息沟通的符号、公共艺术等。

6：空间：实体形态与实体形态之间或被实体形态所包围的间隙或范围。

7：积极空间：能够满足人的意图，或者说是有计划性，即先确定外围边框然后再向内侧去建立秩序的空间。

8：形态的错视：主观的视知觉与客观存在不一致的状况。

9：形态的语义：形态所包含的意义或寓意。

10：格式塔：具备两个特征一是由各要素或成份组成，但它决不等于构成它的所有成分之和，它是完全独立于这些成分的全新形态。二是“格式塔”具有变调性，即一个“格式塔”即使成分{如大小。方向。位置等}均发生改变，该“格式塔”仍然存在或不变。

在我们的生活中无处不存在艺术

(1)功能性设计：随着人们生活水平的提高，对一种产品的功能要求越来越高．功能多而易操作，是人们在选择商品时的一大标准。企业在开发新产品中，要特别注意功能设计，以满足人们生活、情感的需要；也只有做到这一点，一种新的产品才能赢得市场，具有竞争的能力。

(2)结构性设计：在新产品开发中，结构是否合理，关系到产品造型的美观，给人以一种直接的感受。企业应注重产品的内在与外观两个方面的结构设计工作，使产品更适合于时代的进步、环境的协调，以及人们的追求。

(3)工艺性设计：先进的工艺设计，不仅能保证新开发的产品的质量，而且关系到产品的经济效益，没有先进合理的工艺，新产品只能是新产品，而不能成为市场上需要的新商品。因此企业应把对工艺性设计的要求作为一项重要的工作加以充分的重视。

概念设计是由分析用户需求到生成概念产品的一系列有序的、可组织的、有目标的设计活动，它表现为一个由粗到精、由模糊到清晰、由具体到抽象的不断进化的过程。概念设计即是利用设计概念并以其为主线贯穿全部设计过程的设计方法。概念设计是完整而全面的设计过程，它通过设计概念将设计者繁复的感性和瞬间思维上升到统一的理性思维从而完成整个设计

(4)包装性设计：新产品开发中的包装设计问题是一个长期以来未能很好重视的老问题，导致了“一等质量、二等包装

什么是设计

对于技巧性的学习而言,模仿是初学者必需和有效的学习手段之一,设计的学习也不例外。但是，模仿仅仅是学习设计的手段和途径，只是学习设计的初级阶段，创造性能力的自由挥洒才是设计的最终目的和高级阶段。

在这里，有一个重要的问题需要澄清：什么是设计，设计的实质是什么。设计即思想，思想反映修养。只有弄清这个问题，提高设计水平才有方向和目的。在许多从业人士眼里，设计就是技巧，简而言之，即是画图。其实不然，设计归根到底是一项艺术工作，其创作的源泉在于设计者的修养。修养之于技巧（画图

CAD/3DMAX/PHOTOSHOP/CORELDRAW/LIHGTSCAPE等等），好象武侠小说里武林高手的功夫，他的招数与内功。技巧是招数，是外在的，是短时间内通过反复练习，熟能生巧，可以达到相当熟练程度的。修养好比内功，是内在的，它是所能描述一个人的方方面面的因素的综合反映，是一个人长期的人生积累和沉淀，但并不等于每个60岁的人的修养都能达到同样的一个境界。武侠小说里，一个人招数再炉火纯青，如果他的内功没有达到相应的火侯，充其量也只不过是个外家高手，不足以称宗师泰斗；相反，如果有相当深厚的内功造诣（如同《天龙八部》中藏经阁的扫地老和尚），即使他不懂一丁点招数，哪怕是拂袖之间，也能有大家风范，自是无招胜有招，达到不假思索，得心应手的自由境界。“胸中有邱壑，下笔如有神”，这就是修养，也即是我们设计师所应追求的东西。

各种艺术门类的素养是相通的（文学里所谓“通感”）。个人以为，设计师一方面需要在实践中不断地提高自己的专业水平，另一方面也必须提高和加强个人的综合素质和艺术

修养，做足设计以外的功夫，有道是“它山之石，可以攻玉”。一个成熟的设计师必须要有艺术家的素养、工程师的严谨思想、旅行家的丰富阅历和人生经验、经营者的经营理念、财务专家的成本意识。有一位设计界的前辈讲设计即思想，设计是设计师专业知识、人生阅历、文化艺术涵养、道德品质等诸方面的综合体现。只有内在的修炼提高了，才能做出作品、精品、上品和神品，否则，就只是处于初级的模仿阶段，流于平凡。一个人品艺德不高的设计师，他的设计品位也不会有高的境界。

1、美学：从根本上说就是一门关于人的审美价值的学科。

2、美的形象性：是指美的事物和现象都是形象的、具体的、不是抽象的。美是人的末质力量的对象化，凡是美都是形象，能够被人的感觉直接把握。

3、美的社会性：是指美依存于人类社会，具有客观的社会内容。是美与人类社会不可分割的属性。

4、美是多层累的突创：是关于美的创造的学说，认为美的创造不是某种固定的实体所致，而是多处因素的积累，是一种多层累的突创。基本含义是（1）从美的形成来说，它是空间上的积累与时间上的绵延，相互交错，所造成的时空复合结构；（2）从美的产生和出现来说，它具有量变到质变的突然变化，我们还来不及分析和推理，它就突然出现在我们面前，一下子整个抓住了我们。

5、毕达哥拉斯学派：由古希腊哲学家毕达哥拉斯及其信徒组成，成员我是自然科学家。他们认为万物最基本的元素是数，认识世界就在于认识支配着世界的数。美表现于数量比例上的对称与和谐，音乐就是对立因素的和谐统一，人体的美就在于客观事物的均衡、对称、和谐、多样统一以及黄金分割等形式，对后世产生了深远影响。

6、美的客观性：是指美是客观的，是不依人的主观意志为转移的。

7、“美是理念的感性显现”：是德国古典学的集大成者黑格尔提出的著名命题。他从客观唯心主义出发，认为只有理念才是美的，而且美的理念要获得一种感性的显现，要表现为一定的感性形象，才成为美。

8、美在愉快说：是西方关于美的本质的一种学说，认为事物引起的人生理和心理的快感的美的真正本质。代表人物有休谟等。

9、美在关系说：是西方关于美的本质的一种学说，认为美存在于客观事物本身包含着的某种关系中，这种“关系”才是美的本质。这是法国启蒙思想家、美学家狄德罗提出的对美的本质的认识。

10、美是生活说：美的本质的一种说法，认为美存在于现实生活中，生活才是美的本质。它是由俄国19世纪现实主义美学家、革命民主主义者车尔尼雪夫斯基提出的。

11、美是理念说：西方关于美的本质的一种学说。认为物质感性世界不存在美或美的属性，美与某种超现实存在的神秘的非物质性的精神实体紧密相联，由于这种精神实体的注入或显现，才使客观事物成为美的。代表人物有柏拉图、黑格尔等。

12、移情说：是西方美学中有广泛影响的美的本质论。它夸大移情的作用，把美的根源和本质归结为人的移情，否定美的客观存在。它盛行于19世纪，曾经一度成为很有势力的一种美论。代表人物有立普斯等。13、心理距离说：是西方现代美学中有影响的美的本质理论之一，认为美产生于审美主体对审美对象保持的适当的心理距离，否认美的客观存在。代表人物是布洛。

14、美在形式说：西方关于美的本质的一种学说，认为美仅在于事物的形式特征，即事物外部诸因素之间的和谐，忽视了事物内容的审美价值。如毕达哥拉斯学派。

15、美在完满说：西方关于美的本质的一种学说。认为事物通过其各部分之间、部分与整体之间多样统一的和谐关系，同它本身的概念或内在目的相一致，并同感受它的心灵形成和谐对应关系，就是完善的，也就是美的。代表人物是莱布尼兹、鲍姆嘉登等。

16、美在无意识说：是弗洛伊德创立的关于美的本质和根源的学说。认为美属于无意识，是本能冲动的升华，美的本质就是无意识的欲望，特别是性的欲望。它夸大了无意识，特别是性本能的作用。

17、美感：美感是人们对美的感受、体验、观照、欣赏的评价，以及由此而在内心生活中所引起的满足感、愉快感和幸福感，外物的形式契合了内心的结构所产生的和谐感，暂时摆脱了物质的束缚后精神上所得到的自由感。

18、想象：想象是人们在外在对象和事物的刺激下，在头脑中对原有的记忆表象进行加工、改造、形成新形象的精神活动过程。

19、审美范畴：是人们在长期审美活动中形成的、能帮助人们认识和掌握审美现象的一些使用最普遍、最基本的概念。主要有崇高、优美、悲剧性、喜剧性、丑等。

20、崇高：是审美范畴之一，与优美相对。崇高是指对象以其粗犷、博大的感性形态，劲健的物质力量和精神力量，雄伟的气势，给人以心灵的震撼，使人惊心动魄、心潮澎湃，进而受到强烈的鼓舞和激越，引起人们产生敬仰和赞叹的情怀，从而提升和扩大人的精神境界。崇高是人的本质力量经由对象的震撼和压抑而获得的显现。

21、优美：又称秀美，是通常所说的狭义美，与崇高相对，是审美范畴之一。优美的审美对象在形式方面一般都具有小巧、柔和、清新、秀丽、细腻、圆润等特征，在内容方面一般都不呈现激烈的矛盾冲突，而表现为矛盾双方的暂时相对静止状态。在形式和内容的关系上则表现为十分协调、和谐统一。优美是最易为人们所接受的美的形态，给人赏心悦目的愉快之感。

22、悲剧性：审美范畴之一，与喜剧性相对。概括人的审美对象中一种重要审美属性。它是具有正面素质或英雄性格的人物由于坚持正义或积极进取，而与现实环境之间发生的冲突，冲突中下面人物因感性生命遭到摧残和毁灭而成就了精神生命的永恒价值，从而激起悲壮之情而使人们的心灵得以净化，精神得以提升，产生审美愉悦。它与戏剧类型之一的悲剧及日常生活中的悲剧涵义是不同的。

23、喜剧性：审美范畴之一，与悲剧性相对。是一种重要的审美属性。喜剧性所引起的效果是美，是笑，但并不是生活中所有的可笑的现象都具有喜剧性。对象以倒错、自相矛盾、背理等形式表现出来，从而引起人们发笑，喜剧性的笑不但是生理性的反映，更是一种心理反应，从中体现了一定的社会意义。因此，从本质上说，喜剧性就是以笑为手段，去否定生活中的不协调的形式，从中肯定生活中的美的艺术、社会现象、生活现象，乃至社会历史事件。

24、丑：审美范畴之一，与美相对，具有与美相反的内涵性质的事物的属性。丑是一种否定性的价值，它使人厌恶、鄙弃、反感。当人的本质力量受到窒息和排斥，而非人的本质力量却以堂皇的外观闯进了我们审美的领域，它在对象中显现出来的就是丑。在现实生活中，丑总是具体的、形象的，是对人而言的。丑的事物往往是违背自身发展规律，有碍于人生的，其外在的组合形式是凌乱的，不能怡人的。丑的审美意义就在于可以以丑衬美，而且生活中的丑经过艺术家的灵心点化，可以转化成艺术中的美。

25、艺术丑：艺术丑作为艺术美的对应面，是对艺术家的创造性劳动的否定，它与生活丑不同，而且艺术作品反映丑的对象不等于艺术丑。艺术丑指的是艺术作品的内容虚假、腐朽、技巧伪劣，也指技巧上的失败。另外艺术丑还指一种特殊形式的美。如园林艺术中的山石以“丑”为美。

26、游戏说：游戏说首先由德国古典美学的奠基者康德提出，后由席勒、斯宾塞等人发展加以完善。游戏说的倡导者认为，艺术本质上是一种游戏，是由游戏发展而来的。一方面，艺术和游戏具有虚构的力量，富有拓展性和能动性；另一方面，它们所引起的快感是消除了一切主观偏见和现实差异的，是忘我的。席勒更认为，游戏是消除人性分裂的一种特有的理想活动。

27、集体无意识：集体无意识说由瑞士心理学家荣格提出，荣格发展了他的老师绰号洛伊德的“无意识”理论，把“无意识”分为“个人无意识”和“集体无意识”两种，认为“集体无意识”是由遗传保存下来的一种具有人类普遍性的潜藏于意识深层的朦胧精神。艺术家正是在“集体无意识”的驱动下进行艺术创作的，艺术起源于集体无意识。

28、模仿说：模仿说是古希腊时人们界定艺术的普遍观点。柏拉图认为，世界的本质是理念，现实世界是对理念世界的模仿，艺术又是对现实世界的模仿，艺术的本质因而是模仿的模仿，这种模仿也就是不真实的、虚幻的。亚里士多德则肯定了现实世界的真实性，因而也就肯定了模仿它的艺术的真实性。以再现现实为宗旨的现实广义文艺可以说是模仿说的最高发展阶段。

29、表现说：西方18、19世纪浪漫广义思潮，标榜“自我表现”，冲破了“模仿说”的罗网，表现说于是兴起。表现说批评模仿说机械复制，强调艺术必须以表现主体感情为主。

30、有意味的形式：本世纪英国美学家、艺术鉴赏家克莱夫.贝尔认为，艺术的本质在于“有意味的形式”。所谓“形式”，就视觉艺术而言，指由线条和色彩以某种特定方式排列而组合起来的纯粹的关系，它把通过形式组成的画面所可能有的指示、意义、记录的信息、传达的思想、以及教化作用等现实生活的内容全部排除在外；所谓“意味”，贝尔认为乃是这种纯形式背后表现或隐藏着的艺术家的独特的审美情感，审美情感是意味的唯一来源。艺术就是艺术家创造的、能激发观赏者审美情感的纯形式，是美的结构，也即“有意味的形式”。

31、符号说：当代美国女哲学家苏珊.朗格提出，艺术是人类情感的符号形式，是一种非逻辑、非抽象的符号，具有表现情感的功能；艺术符号所表现的情感不应是个人瞬间的情绪，而应表现一种人类的普遍情感或情感概念，它能展示人的经验的、情感的、内心生活的动态过程，即人的“生命形式”，能表现出人类的情感和“生命形式”的内在本质。

32、载道说：载道说，较早可追溯到孔子；而唐代文学家、哲学家韩愈则加以完善。他认为，古文是为了宣传儒道而存在的，并非是为了缘情。柳宗元也认为，文章因道而贵，文章家因道而尊。这样，将文置于道的约束下，先道而后文，猛烈地抨击了无情而故意以矫情为文的风气。

33、娱乐说：娱乐说可分“自娱”和“娱人”两个方面。艺术家借助于创作中的想象，在幻想世界中实现自己虽向往但在现实中却不能实现的愿望、追求、希冀和理想，从而达到“自娱”。“娱人”则是使他人产生快乐。

34、艺术敏感：主要是指主体感受生活、欣赏艺术、体验和孕育意象的敏锐性和悟性，天才的敏感是指这种感受体验的细致、快捷、丰富和深刻。

35、灵感：是艺术家在意象创造中，由于各种心理机制、功能处于高度协调的自由状态而突然生成的精神昂奋、注意集中、情绪激动、想象力空前活跃的一种思维活动的境界。

36、美育：就是当我们对审美对象进行感受、欣赏、评析和判断等审美活动时，生理结构和心理结构会受到感染、熏陶，在不知不觉中发生变化，从而不仅在审美能力和审美情趣上得到了提高，受到了教育，而且在人的气质、精神面貌上，也得到了提高，受到了教育。

22、美感产生的逻辑因素是什么？

答：从逻辑上看，美感是多种因素的因缘汇合：首先，美感的存在必须以人的审美能力的存在为前提；其次，美感的存在，是以人的审美心理的存在为基础的；再次，美感的存在方式，与人的审美态度密切相关；最后，美感的存在需要一定的审美环境。

23、美感作为一种感觉的一般特点是什么？

答：美感作为一种特定的感觉符合感觉的基本特点，这就是：美感是客观的美的刺激和主观对于美的反应这两个方面构成的。对象首先要以审美的特征对感官进行刺激；美感同样离不开刺激感觉的光、色、声、味、气息和触等这样一些永远在变化的形式因素；美感体现了人在审美活动中的主导意向。

38、理解在美感中的作用是什么？

答：美感中不仅要有感觉和情感、想象，而且必须要有理解。我们把审美活动看成是具有社会意义的精神活动，那么，美感就不是一种单纯的感觉，而是渗透着有意识的理解。

许多诗歌的领悟就离不开理解。如果诗歌写得很美，但我们弄不懂其中的暗喻和象征，弄不懂作者为什么要这样写，我们也就不能欣赏它的美，至少不能充分欣赏它的美。可见，理解对于审美特别是艺术欣赏来说，是非常重要的。审美活动中的理解，有助于了解和熟悉所感受到的外界的符号和信息。审美活动中的理解，还有助于领悟审美对象中的深层文化意蕴。甚至于领悟大自然的情调，也离不开从人文角度去理解。

39、审美欣赏活动的心理特征是什么？

答：审美欣赏活动中的心理特征有以下几方面：形象的直觉性；注意的集中性；感受的完整性；想象的生动性。

40、抽象性在审美活动中的意义是什么？

答：抽象性在审美活动中的意义主要表现在以下几方面：在审美活动中，具象性与抽象性的结合，主要是通过内心所引发的丰富的想象来实现的，从而创造出了物我统一的审美境界；为了强化某种感情，加强抒情性，有时需要某种程度的抽象化；在形式美的表现中，抽象化使得对象获得了无穷的表现力。

41、美感的深层心理的五全基本特征是什么？

答：美感欣赏活动深层的心理特征表现为以下五方面：生理与心理矛盾的统一；个性与社会性矛盾的统一；具象性与抽象性矛盾的统一；自觉性与非自觉性矛盾的统一；功利性与非功利性矛盾的统一。

42、谈谈优美在自然、社会、艺术中的表现。

答：优美在不同的领域中有其各自的具体特征，在自然、社会、艺术中的表现不同。自然领域中的优美，是以客体本身的外在形式美呈现出来的，表现为自然景物以光、色、形、音等合规律的组合所呈现出的明暗、浓淡、大小、高低、刚柔在矛盾中的统一，以天然的完美和谐作用于主体的感官，使主体获得安静恬美的心理感受。

社会领域中的优美，是以真与善的和谐统一为特征，它侧重于内容。人是社会领域中的主要审美实践对象，人生的优美具体表现为作为社会性的人的个体合乎礼仪、道德规范的言行举止及其所反映的一致的思想观念，衣着打扮合适得体，内外和谐统一，给人以优美感。在社会生活中，优美则表现为社会关系的和谐融洽，社会生活的稳定、平和。

艺术中的优美，表现为作品中反映的自然景物、社会人生或营造的氛围以其合规律、合目的性使主体感受到其中的和谐统一。如达.芬奇的《蒙娜丽莎》。由于艺术中的优美是现实中的优美经过艺术有选择加工的产物，因而它更具感染性，给人更强烈的美的享受，更鲜明的显示出优美的美学特征。

鞋型色度设计

流行的鞋靴，除具备设计新颖，舒服轻柔的鞋材之外，必须要配合时宜的色彩，才能表现特殊风格，创造流行，鞋类流行又与服饰、皮包、帽子、耳饰、皮带等有密切的关第，因此无论是鞋靴与服饰款式的配合都必须互相考虑，彼此之间的流行色度趋势。才能促进人的购买欲，由此可知，色度经过各方面条件因素调配之下，才能表现美的功能。尤其是鞋类款式的流行是与色度的配置是非常的重要了。

鞋类色度的调配，是鞋类设计中的重要因素之一，有在鞋型色度的调配方面的常识，不外乎鞋面款式的配色，与鞋底部份的色度的搭配。有时鞋面与鞋底配色各自独立特色。

有时则互相衬托，使鞋型款式显得特别出色。

一、 鞋类色度的搭配，随着季节有所不同，以及使用场合的不同，都是决定色度的搭配因素之一，依鞋类设计在色度搭配原则之下可分下列配色方式。

（一） 单色配色：所谓单色配色，就是由单种颜色所组成，使用较为庄严的场合。如黑色、白色与其他。

（二） 对比配色：又称之为二色配色，由二种同系列色彩或由二种不同系列色彩互相搭配。

（三） 渐次配色：又称之三色配色，由三种同系列的色彩组成。

（四） 多色配色：由多种不同系列或相同系列所组成。

二、 季节决定配色规则：流行款式所使用颜色与季节性有相当密切的关系，关于此方面的常识，从事鞋类设计工作者必须具备的条件，才不致于从事设计工作时，使鞋靴设计工作过于复杂。

1． 秋冬季节：秋冬季节鞋类设计在配色方面偏向于暗重的色彩。

2． 春夏季节：春夏季节鞋类设计在配色方面偏向于清淡。

在颜色搭配方面，有几种季节的色彩是为一般设计师所遵行的规则：如温度冷暖光泽（基本光泽约有5到6种色彩），凉冷色调（灰白色系列约有5种），基本泥土色系列（包括古典的标色，咖啡色、葡萄酒色），古典夏季色调（通常包括女仕流行色彩惯用的黑色、

深蓝色、灰色）。